Résidents

Note d’intention :

« La famille, « qu’on l’aime ou pas, qu’on la connaisse ou pas, qu’on vive avec ou pas»*, est le premier lieu de la rencontre avec l’autre. Ensemble, on y construit ses souvenirs, on y croise nos peurs originelles, on y fait battre nos sens. On y devient ce que l’on sera. Enfin presque. Comment nos liens familiaux nous construisent-ils au monde ? Comment notre enfance nous habite-t-elle ? Qu’est-ce que devenir soi ?

Nos enfances. C’est le point de départ de Pièce manquante. Celle de mon père qui, 70 ans plus tard, l’habite toujours avec violence. Et la mienne, profondément marquée par la sienne. Au fil des rencontres de mes réalisations documentaires, j’ai aussi pu constater à quel point nos nous enfants viennent tracer les sillons de nos nous adultes. Ce fil me fascine. Je le trouve beau, fragile et parfois terrible.

En grandissant, que fait-on de nos souvenirs d’enfance ? Qu’est-ce que l’on recréé, invente, sublime, efface ? Comment cette mémoire subjective construit-elle notre identité et notre rapport au monde ? Pièce manquante, c’est l’histoire de ce voyage initiatique en enfance, une fois qu’on a grandi. Et le théâtre est l’espace où l’on va prendre le risque d’entamer ce périple. Du présent au passé, de l’adulte à l’enfant, du réel à l’imaginaire, et inversement. Au plateau, les temporalités, les espaces et les histoires vont pouvoir cohabiter, se confondre, s’affronter et se répondre.

Plonger dans son enfance pour y retrouver ses souvenirs, y faire du tri pour faire ses choix, enquêter dans sa mémoire pour entrer définitivement dans le monde des adultes et pour conquérir sa liberté, c’est le voyage auquel invite Pièce manquante. »

*(Qu’est-ce qu’une famille ? France culture la Grande traversée, émission du 25 août 2014 par Caroline Eliacheff)

Autrice : Clara-Luce Pueyo
Accompagnement à la dramaturgie : Julie Ménard
Mise en scène : Chloé Simoneau
Interprétation : Céline Dély

Note d’intention :

« En observant mon entourage, je me suis aperçue que les pères étaient, souvent, soit absents physiquement, soit émotionnellement désengagés, et que ceux décrits comme présents, étaient morts. Pour pallier à cette absence tragique, j’ ai imaginé une île : « L’île aux pères », dans laquelle seraient cachés les pères disparus. Pour m’aider à l’imaginer, j’invite trois hommes d’une trentaine d’année : un comédien, un circassien et un danseur. Je leur pose beaucoup de questions. Je leur demande si eux aussi trouvent que les pères disparaissent, ce que c’est qu’être un homme aujourd’hui, s’ils souhaitent devenir père et, si oui, comment. Ils posent les mêmes questions à des pères, des fils, qui vivent près des lieux qui nous accueillent. Ces échanges et moments sont filmés, enregistrés. Ils sont la matière, le grain de sable et le bout de rocher de l’île. Cette recherche entre réalité et fiction, interroge les masculinités, la paternité et la transmission. »

Conception et mise en scène : Liza Machover
Au plateau : Florian Bessin, Julien Moreau, Thibault Villette
Aide à la dramaturgie : Carolina Rebolledo-Vera
Scénographie et Technique : Carine Ravaud
Vidéo : Alex Mesnil

Note d’intention :

L’affolement des biches sera le quatrième texte de Marie Levavasseur, l’occasion d’affirmer la singularité de son écriture mais aussi de se confronter à de nouveaux enjeux. Le point de départ de ce nouveau récit posera la question de notre relation aux morts : comment les morts nous aident-ils à vivre ? Comment nous ramènent-ils à notre besoin de croyance et de fiction ? Une manière pour elle de questionner notre connexion avec le monde visible, celui de la Terre et des hommes, des plantes et des animaux, mais aussi d’interroger nos liens avec le monde invisible, dont la science est encore loin d’avoir révélé et expliqué tous les mystères.

Il sera question de morts (au moins un) et de vivants (plusieurs), d’un enterrement à organiser, d’une famille qui se réunit, de paroles que l’on écoute ou pas. Pour cela, elle imagine une histoire autour du décès un peu inattendu de la mère, une femme d’une soixantaine d’année, vieille pour certains, encore jeune pour d’autres. Toute sa famille se retrouve auprès d’elle avec la responsabilité d’organiser ses funérailles. Elle n’a volontairement exprimé aucune volonté, ce choix pour elle revenant aux vivants…

Notes d’intention :

Comme l’oiseau du même nom, cette nouvelle création interroge notre capacité à renaître de nos cendres pour mieux inventer un renouveau. Inspirée, entre autres, des œuvres de Boltansky et de son travail sur la mémoire, des collages de Picasso et Braque, ou des assemblages photographiques de David Hockney, elle utilise la manipulation d’images pour donner vie à la reconstruction suite à un effondrement tel que la guerre.

Rencontre des arts graphiques, du théâtre et du violoncelle, elle invite, petits et grands, à une rencontre chaleureuse et intime. Suivons ensemble l’épopée de Fénix, cheval de carrousel esseulé. Nous le verrons tour à tour rêveur, détruit, métamorphosé, aventurier, pour mieux trouver sa place à l’arrivée.

Autrice, comédienne, illustratrice : Anne Merceron
Regard extérieur : Stéphanie Zanlorenzi
Musicien : Pierre Thary
Paysage sonore : Xavier Guillaumin
Illustrations : Marie-Laure Legras
Régisseur lumière : Lucien Yakoubsohn
Chargée de production : Violaine Roy

Note d’intention :

« Habiter Home sera un spectacle. La matière principale de ce spectacle tournera autour des « conversations intérieures ». Cet endroit de parole où se développent nos idées, se déploie la répétition de nos conversations à venir, errent les histoires que l’on se raconte ou que l’on nous a raconté. C’est un espace de parole que nous utilisons tous sans le partager jamais vraiment. Le temps d’un spectacle, ce sera l’occasion de l’explorer ensemble. Pour que ce soit un peu moins abstrait, je travaille sur trois axes de paroles intérieures : la parole intérieure qui nous rassure (Rosetta), la parole intérieure qui juge les autres (Rousseau), la parole intérieure qui nous hante (Napoléon).

De façon expéditive, j’avance que ces trois types de parole, que j’associe à des personnages de fictions ou historiques, ont comme point commun de mettre en place un équilibre entre notre sensibilité et la réalité. Et cet équilibre, puisqu’il n’engage qu’une conversation avec nous-mêmes, penche souvent du côté de notre sensibilité. Autrement dit, du côté Romantique de nous-mêmes. Le Romantisme sera donc le fil dramaturgique de la pièce et en particulier le romantisme politique.

L’idée est d’aller chercher dans le XIXe européen les traces de ce courant, en commençant par les rêveries du promeneur Rousseau, puis en passant par la narration de l’empire de Napoléon et en finissant par Raimbault, dégoutté à la fin du XIXe, qui décide de répudier la beauté dans « Une saison en enfer ». La destination du spectacle sera donc d’observer ensemble comment notre sensibilité est un terrain fertile de conscience sensible du monde et de voir comment l’échange entre cet espace l’hyper-personnel et le commun du réel a besoin d’une traduction et quelle traduction. »

Auteur/interprète : Jean Le Peltier

Note d’intention :

« Lorsque nous avons découvert par hasard une image de phoque dans les méandres des Images Google, nous avons d’abord ri, puis nous nous sommes rendus compte qu’elle représente très bien l’union de nos deux soli. La dimension marine de l’animal le rend proche, et peut-être cousin, de la sirène, et il rappelle l’expression populaire “pédé comme un phoque” (qui ici devrait s’orthographier “foc” mais ceci est une autre histoire). Cette image est un bon exemple des hasards et des constructions qui nous amènent aujourd’hui à associer nos deux soli, depuis leur thématiques, leurs économies jusqu’à leur mode de production et de diffusion.

Telle la femme-phoque à qui l’on dérobe la peau, ce vol nous permet de regarder de l’extérieur ce qui nous représente, ce qui est projeté sur nos corps dès lors que nous sommes gays, femmes, ou sirènes. C’est cette peau que nous souhaitons travailler, quitte à la rendre transparente à certains endroits, pour mieux en explorer les mécanismes et les textures qui l’enrobent.»

Je suis une sirère : Aurore Magnier
Portraits détaillés : Lucien Fradin
Collaborations artistiques de Peau de Phoque : Pablo Albandea, Antonin Boyot Gellibert, Romain Crivellari, Claustinto, Philémon Vanorlé, Perrine Wanegue, Fanny Dujardin, Saso, Marine Bachelot Nguyen

Note d’intention :

« Chien.ne est la dissection genrée du concept de violence, une interrogation sexuée sur nos pratiques plurielles (directes et indirectes) de la violence. Nous nous sommes tous les deux, Julien et Nadège, construits en réponse et en écho au dogme du masculin. Erigée en totem dans la culture du masculin-viril, constitutive de la figure du héros et du guerrier, la violence de l’homme est encouragée dans toutes sortes de contenus médiatiques. L’identité masculine se trouve enfermée dans des concepts absolument restreints qu’il convient de remettre en jeu et en mouvement.

Les problématiques liées au genre et à la redéfinition du masculin et du féminin en dehors d’un modèle binaire interrogent directement la construction de nos identités. Quelle tension entretient-on avec les stéréotypes qui nous façonnent un cadre autant qu’ils nous enferment ? Quelle complicité entretient-on avec les stigmates de la stigmatisation genrée ? Quelle part de rêve honteux portent-ils en eux ? Le dit-masculin et l’expression de la virilité est l’une des pièces constituantes de nos identités genrées.

Dans Chien.ne nous souhaitons réinterroger la virilité, et les qualités attribuées au genre masculin comme vecteur pour explorer le champ des multiples féminins, et envisager une binarité moins absolue et aux contours plus floutés. Dans le fond, il s’agit de traiter par le plateau la question de la mutation et de la transformation. Chien.ne est une forme hybride qui prend la difformité d’un concert de parole scandée, d’un com-bat de boxe, d’une plateforme de free-style. »

Mise en scène, écriture et jeu : Nadège Cathelineau et Julien Frégé
Musique actuelle : Sébastien Lejeune
Création lumière : Cyril Leclerc
Scénographie : Elizabeth Saint-Jalmes
Régie lumière : Manon Lauriol
Distribution en cours